25 самых уплывовых альбомаў жанру эмбіент

Хаця многія работы можна аднесці да сумежных стыляў, усе гэтыя працы ўкладваюцца ў вызначэнне «Ambient».

Для прыхільнікаў такой музыкі ў рэйтынгу, напэўна, сустрэнуцца старыя фаварыты, для чытачоў, незнаёмых з жанрам, гэты рэйтынг можа служыць добрым гідам для пачатку збірання калекцыі.

Brian Eno — Ambient 1: Music for Airports
Steve Roach — Dreamtime Return
Wendy Carlos — Sonic Seasonings
Steve Roach — Structures from Silence
Michael Stearns — Planetary Unfolding
Brian Eno — Ambient 4: On Land
Jonn Serrie — And the Stars Go With You
Terry Riley — A Rainbow in Curved Air
Harold Budd, Brian Eno — The Pearl
Steve Hillage — Rainbow Dome Musick
Paul Horn — Inside the Taj Mahal
Tangerine Dream — Rubycon
Harold Budd, Brian Eno — Ambient Two: The Plateaux of Mirror
Klaus Schulze — Mirage
Aphex Twin — Selected Ambient Works Volume II
Klaus Schulze — Timewind
Tangerine Dream — Phaedra
Steve Reich — Music for 18 Musicians
Mike Oldfield — Tubular Bells
Miles Davis — In a Silent Way
Ashra — New Age of Earth
Global Communication — 76:14
The Orb — The Orb’s Adventures Beyond the Ultraworld
Constance Demby — Novus Magnificat
Peter Gabriel — Passion

Peter Gabriel — Passion

Пітэр Браян Гэбрыэл нарадзіўся ў невялікім мястэчку Чобхэм графства Сурэй 13 лютага 1950 у сям’і інжынера-электроншчыка і выкладчыцы музыкі.

Гэта асаблівая атмасфера моцна паўплывала на захапленні дзiця — ужо з юных гадоў ён пакахаў музыку. Асабліва яго вабілі старажытныя брытанскія матывы і народныя інструменты. У далейшым гэта прыхільнасць прыкметна адаб’ецца на яго кампазіцыях, асабліва ў гады сольнай творчасці.

У 13 гадоў Пітэр працягнуў сямейную традыцыю, паступіўшы ў прэстыжную прыватную школу Чартэрхаўс, якая размяшчалася за 15 міляў ад Чобхема, у Гадалмінгу. Менавіта там упершыню сур’ёзна зацікавіўся музыкай, хоць і зусім іншага кшталту, чым ён чуў дома. Першы перыяд творчасці музыкі звязаны з гісторыяй гурта Genesis, які быў утвораны, калі Гэбрыэл і Тоні Бэнкс вучыліся ў той самай школе. На двары бушавалі 60-я, і ўсе падлеткі былі захопленыя і рок-н-ролам. У кожным школьным інтэрнаце быў свой рок-гурт. Рытм, аснова музыкі — вось што яго вабіла. Свой першы барабан ён атрымаў у падарунак ад бацькоў і сабраў невялікую ўдарную ўстаноўку, на якой з натхненнем трэніраваўся ў вольны час. Зрэшты, як ён потым неаднаразова прызнаваў, добрага ўдарніка з яго так і не выйшла.

Спачатку калi Пітэр зусім адышоў ад спраў гурта і праводзіў увесь час у сельскай хатцы з сям’ёй, але канцу 75-го гады ўжо сур’ёзна задумаўся пра сольную кар’еру і пачаў паволі назапашваць матэрыял для меркаванага альбома.

У 1989-м выйшаў дыск Passion, заснаваны на саўндтрэкавым запісе да фільма Марціна Скарсэзэ «Апошняя спакуса Хрыста», але на класічны саўндтрэк ён быў падобны мала. Для стварэння гэтай музыкі Гэбрыэл аб’ездзіў Афрыку і Далёкі Усход і выкарыстоўваў у запісе народныя інструменты гэтых рэгіёнаў, так што, нават па-майстэрску ўплятаючы ў музычную тканіну сучасныя гітары і сінтэзатары, ён толькі наносіў рыскі актуальнасці на старажытнае палатно. Лепшымі на двайніку, які змяшчае ў асноўным медытатыўную інструментальную музыку, аказаліся тытульная песня і трэк It Is Accomplished.

Constance Demby — Novus Magnificat

Імя Constance Demby добра знаёма кожнаму аматару інструментальнай музыкі. Яна па праве лічыцца адным з піянераў нью-эйдж. Выканаўцу называюць «каралевай касмічнай музыкі». І ў гэтым жанры Дэмбі — сапраўдны першапраходзец. Яе музыка робіць вельмі моцнае эмацыйнае ўздзеянне, нават праз шмат гадоў пасля выхаду многіх яе альбомаў ад слухачоў працягваюць паступаць усё новыя захопленыя водгукі на іх.

Патомная каліфарнійка, Канстанс Дэмбі нарадзілася ў Оклендзе. Класічныя заняткі па фартэпіяна пачала ва ўзросце васьмі гадоў. Пасля пераезду на ўсходняе ўзбярэжжа, яе заняткі пашырэлі, і ўключылі ў сябе жывапіс і скульптуру. У 70-х яна давала канцэрты і мультымедыя-прэзентацыі па ўсім усходнім узбярэжжы. У пачатку 80-х быў заснаваны яе ўласны лэйбл і выпушчаны першыя альбомы медытатыўнай касмічнай музыкі Skies Above Skies і Sunborne. Раскрыццё яе музычнага таленту працягвалася пасля яе вяртання на радзіму ў Паўночную Каліфорнію. Тут пачалося эксперыментаванне з электроннай апаратурай. Праз два гады быў выдадзены альбом Sacred Space Music. Студыя Дэмбі стала цалкам электроннай з развіццём працэсу лічбавага сэмпліравання, і альбом Novus Magnificat, створаны ў 1986 годзе, быў ацэнены крытыкамі як «Mozart Requiem of the New Age». Set Free (1989) быў абвешчаны як «першакласнае складанне». Пасля гэтага адбыўся міжнародны тур. Наступны альбом Aeterna (1995) быў названы, «музыка 21-го стагоддзі, годная, каб стаць класікай».

Аўдыторыя Канстанс Дэмбі працягвала расці, а яна працягвала актыўна працаваць, выступаючы з канцэртамі і запісваючы новыя праекты. Многія выканаўцы чэрпалі сваё натхненне ў Канстанс Дэмбі. Вышэйпрыведзеная характарыстыка: Дэмбі — «каралева касмічнай музыкі» належыць іншаму выдатнаму музыку Майклу Хопе (Michael Hoppe). І паводле яго слоў, яна карыстаецца не толькі любоўю слухачоў, але і вялікай павагай сярод музыкаў. Што ж такога асаблівага ў яе музыцы, і чаму яна выклікае такую вялікую цікавасць? Калі паспрабаваць коратка апісаць, то ўзнікаюць цяжкасці. Так, у мелодыях Канстанс адчуваецца класічная структура. І гэта не дзіўна, таму што, з дванаццаці гадоў яна выступала з канцэртамі, выконваючы класіку. І быццам у яе музыцы няма нічога такога ўжо асаблівага. Калі вы паслухаеце які-небудзь яе альбом «на хаду, на бягу», ён можа вам нічым не запомніцца. Канстанс лічыць, што яе трэба слухаць такім чынам: «Ніякіх раздражняльнікаў, навушнікі на поўную гучнасць, даць вольна праяўляцца ўсім эмоцыям, якія ўзнікаюць». Канстанс Дэмбі — гэта музыка адценняў, утоеныя на першы, павярхоўны погляд меладычныя лініі пачынаюць выяўляцца толькі пры ўважлівым праслухоўванні. Да таго ж, яна па-майстэрску выкарыстоўвае шматгалоссі і вельмі незвычайныя тэмбры гукаў.

Трэба сказаць, што Дэмбі піянер не толькі ў музыцы. Яе таленты вельмі рознабаковыя: i музыка, і мастак, і скульптар, і мультымедыя-прадзюсер, а гучанне яе музыкі нетрадыцыйна яшчэ і таму, што яна выкарыстоўвае музычныя інструменты, якія распрацавала сама, якія дазваляюць здабываць гукі з незвычайнымі тэмбрамі. З інструментаў Канстанс найбольш вядомыя два – гэта «касмічны звон» (Space Bass) і «кітовы ветразь» (Whale Sail). Калі апісваць досыць грубіянска, то першы ўяўляе сабой гарызантальны ліст металу, у які ўваткнуты вертыкальна размешчаныя сталёвыя і медныя стрыжні, якія пакрываюць дыяпазон у пяць актаў. Пры гэтым на дадзенай прыладзе можна гуляць, як на ўдарных, а можна здабываць гукі з дапамогай смычка. Другая прылада – «кітовы ветразь» – з’яўляецца родным братам «касмічнага звана» і ўяўляе сабой вертыкальна размешчаны сталёвы ліст, які мацуецца з дапамогай дроту, што дазваляе яму вольна выгінацца і выдаваць глыбокія, рэзаніруючыя гукі пры ўдары палачкай ці правядзенні смыкам. Канстанс Дэмбі актыўна выкарыстоўвае не толькі музычныя інструменты ўласнай распрацоўкі, але і народныя. Так, у яе альбоме Sacred Space Music можна пачуць сантур – разнавіднасць цымбалаў, інструмент, які прыйшоў да нас са старажытнай Персіі і з’яўляецца далёкім продкам сучаснага піяніна. І гэтая прылада вельмі арганічна гучыць у спалучэнні з сінтэзатарам.

The Orb — The Orb’s Adventures Beyond the Ultraworld

Поп-культура канца дваццатага стагоддзя абавязана лонданскай групе The Orb з’яўленнем і ўдасканаленнем эмбіент-хаўса — стыльнай, марудлівай, пачуццёвай музыкі, ранішняга саўндтрэку для клубных заўсёднікаў, якія засталіся да зары. Ідэолагам новага кірунку выступіў Доктар Алекс Патэрсан (Dr. Alex Paterson), нязменны лідэр The Orb. У наватары ён патрапіў выпадкова — проста займаўся каханай музычнай алхіміяй, рыхтуючы наварысты, іскрысты кактэйль з нескладаных інгрэдыентаў: запаволеныя рытмы класічнага чыкагскага хаўса, фактурныя сінтэзатары, знаходкі піянера эмбіента 70-х — Браяна Іна, якія кампенсуюць адсутнасць жывога вакалу.

У пачатку 80-х, пасля некалькіх спроб рэалізаваць сябе ў самых розных сферах, ураджэнец Лондана Алекс Патэрсан пачаў кар’еру ў шоу-бізнесе. Дакладней, за кулісамі гэтага самага бізнэсу — у тэхнічнай камандзе, якая абслугоўвала групу Killing Joke падчас тураў. Былі ў яго і свае творчыя амбіцыі. Калі ў сярэдзіне 80-х да Брытанскіх выспаў данеслася рэха хаўс-музыкі, якая нарадзілася па тым боку Атлантыкі, у Чыкага, Патэрсан выпрабаваў на сабе ўсё зачараванне гэтых выбуховых рытмаў. У гэты час ён атрымаў месца ў рэкламным аддзеле кампаніі EG Records, вырашальную ролю ў яго жыцці адыграла знаёмства з прадзюсарам і гукаінжынерам Джымі Коці (Jimi Cauty), які ўдзельнічаў у сайд-праекце Killing Joke пад назвай Brilliant, а паралельна разам з Білам Драммондам (Bill Drummond) кампанаваў першыя калажы, якія неўзабаве ўславяць праект KLF.

У 1988 годзе Доктар Алекс Патэрсан і Джымі Коці запісалі першы твор, які адкрыў каталог гурта Orb. Трэк Tripping on Sunshine, не самы бліскучы ўзор эйсід-хаўса, засвяціўся на калектыўным электронным зборніку Eternity Project One (1988). У траўні 1989 гады ў дыскаграфіі Orb з’явіўся першы міні-дыск Kiss: чатыры трэка, прысвечаныя нью-ёркскай радыёстанцыі KISS-FM і нафаршаваныя сэмпламі з яе плэй-ліста. Паралельна стартавала і ды-джэйская кар’ера Патэрсана. У Лондане яго сэты выклікалі настолькі жывую цікавасць, што ўрэшце на гарызонце з’явіўся Пол Окенфолд (Paul Oakenfold), які прапанаваў Алексу ролю галоўнага цырымоніймайстра ў адной з залаў свайго клуба «Heaven».

У эмбіентных сэтах Патэрсана пераплаўцы падвяргалася мноства самых розных сэмплаў і гукавых эфектаў, аж да сапраўдных запісаў ВПС, зробленых падчас касмічных трансляцый NASA. Нафаршаваўшы гэтымі сэмпламі асноўную страву сваіх выступаў — музыку піянераў эмбіента Стыва Хілэйджа (Steve Hillage) і Браяна Іна, Патэрсан хутка знайшоў шматлікіх прыхільнікаў сярод падлеткаў, стомленых аднастайнасцю клубнага рэпертуару. Аднойчы падчас шаманскага сеансу Патэрсана ў клуб зазірнуў Стыў Хілэйдж. Тым часам ды-джэй якраз узяўся за яго альбом Rainbow Dome Musick. Музыкі хутка знайшлі агульную мову і неўзабаве сталі сябрамі, замацаваўшы знаёмства сумеснымі працамі: Хілэйдж запіша партыі гітары для знакамітага сінгла Orb Blue Room, а Патэрсан актыўна паўдзельнічае ў стварэнні дэбютнага альбома новага праекта Стыва System 7 (ці 777, як яго ведаюць у Штатах).

Першае апусканне Orb у эмбіент-хаўс захавана на 22-хвілінным сінгле з доўгай назвай, пад стаць хранаметражу трэка: Жадаючых выдаць гэты твор не знаходзілася, і ў кастрычніку 1989 гады Патэрсан апублікаваў яго на ўласным лэйбле WAU!/Mr. Modo. Нараўне з гукамі акіяна ў кампазіцыі прагучаў сэмпл з брытанскага хіта Міні Рыпертан (Minnie Riperton) Loving You, які прамільгнуў у чартах у тым жа 89 годзе. Сінгл A Huge Ever Growing… вельмі спадабаўся лонданскім ды-джэям, а іх стараннямі — і клубнай моладзі. Праз два месяцы вядомы брытанскі радыёвядучы Джон Піл (John Peel) прапанаваў Патэрсану і Джымі Коці перазапісаць трэк для свайго радыёшоў (гэты варыянт разам з яшчэ некалькімі сесійнымі запісамі будзе выдадзены праз два гады на кампіляцыі «Orb’s Peel Sessions»).

Global Communication — 76:14

Адна з самых характэрных прац дуэта Mark Pritchard і Tom Middleton. У свой час парачка перакаштавала мноства выяў — ад змрачнаватага idm пад псеўданімам Reload да джангла ў якасці Chameleon. Рэліз «76:14» азнаменаваў вялікі ўздым ambient-музыкі ў пачатку 90-х і стаў адным з самых яркіх твораў на гэтым полі.

Альбом мае выключна электронны характар. «Жывыя» сэмплы і інструменты ў стварэнні музыкі практычна не выкарыстоўваюцца. Аднак ад яго вее нейкім незразумелым цяплом і дабрынёй. Умела камбінуючы прыемныя для вуха меладычныя камбінацыі сінтэзатарнага downtempo, музыкі дамагаюцца шчырага, зразумелага ўсім глыбокага, мяккага гучання. Кожная з кампазіцый называецца аналагічна колькасці хвілін і секунд, на працягу якіх гучыць, напрыклад, «7:39», «4:02»: аўтары даюць максімальную прастору фантазіі слухача ў гэтым плане. Адпаведна, «76:14» — не што іншае, як працягласць альбома. Нягледзячы на несумнеўнае значэнне працы цалкам (ён проста абавязаны знаходзіцца ў калекцыі кожнага які паважае сябе меламана), мне жадалася бы вылучыць кампазіцыю «8:07», якая перацякае ў «5:23». На мой погляд, гэта адзін з самых магутных «касмічных» ambient-накцюрноў, якія мне даводзілася чуць.

Ashra — New Age of Earth

Працяг электронных шуканняў і вандровак нямецкага музыканта Мануэля Гетшынга. Гэты альбом стаў першым у шэрагу пласцінак пад назвай Ashra, дзе Гэтшынг зноў адказваў за ўсё — клавішныя і гітары. Чатыры доўгія кампазіцыі выкананы ў традыцыі берлінскай электроннай школы — ад бойкай і жыццярадаснай Sunrain і прыгожай Deep Distance да і сузіральнай Ocean of Tenderness і сумнай Nightdust. Гіпнатычны і медытатыўны эфект дасягаецца напластаваннем сінтэзатара, плыўным рухам музыкі, якi не парушаецца ні рытм-секцыяй, ні дадатковымі прыладамі. Менавіта такія творы паклалі пачатак і эмбіенту, і нью-эйджу (на гэта ненадакучліва намякае і назва дыска). Усё гэта зроблена ў духу Tangerine Dream, Эдгара Фрэзе або Клаўса Шульцэ, аднак у не настолькі змрочным і дэпрэсіўным ключы, а хутчэй расслабляльна улагоджана. Сінтэзатары і секвенсеры кіруюць баль, а класічная электрагітара з’яўляецца толькі ў канцы 22-хвіліннага опуса Nightdust, каб паказаць клас у параўнальных з працай Дэвіда Гілмара сола. Вельмі прыемная і годная нямецкая электроніка.

Miles Davis — In a Silent Way

In A Silent Way праводзіць размежавальную рысу сваімі доўгімі кампазіцыямі, часовым адыходам ад песні як мелодыі, і што самае значнае, з’яўленнем студыйнага мастацтва ў рамках якога сыграная музыка разглядаецца як сыры матэрыял, які неабходна сумяшчаць, рэдагаваць, камбінаваць. Джазавы прадзюсар ператвараецца ў прафесіянала.

Многія сцвярджаюць, што гэтая музыка ўяўляе сабой зліццё жанраў: джаза, рока, соўла, попа і нават класікі. Аднак, у вочы нашмат мацней кідаецца часовы адыход, калі не грэбаванне ўсімі гэтымі паняццямі ў альбоме In A Silent Way. Майстэрскае абыходжанне з формай і стылем, выкарыстанне і наўмысная адмова ад таго ці іншага гучання, такое мастацкае хараство, давер інтуіцыі, рызыцы, невядомасці: усе гэтыя якасці робяць музыку вышэй часу, таму яе так цяжка аднесці да якой-небудзь эпохі. У альбоме In A Silent Way зусім не адбіліся тыя трывожныя часы, у якіх ён быў запісаны. Нават электроніка, якая гуляе такую значную ролю, гучыць неяк вельмі нейтральна, клавішныя і гітара кампенсуюць гучанне мінулага і будучыні, але не паддаюцца датыроўцы, ні акустычна, ні як-небудзь яшчэ.

In A Silent Way раскрывае тэму спакою, «гукаў цішыні»- парадокс, які ствараўся талентам трубача Майлза Дэвіса, прастора, якую ён ствараў вакол сваёй трубы і, за нешматлікімі выключэннямі, вакол музыкаў, якія гралі з ім. Каб лепш зразумець беспрэцэдэнтны працэс стварэння такой музыкі і з пункту гледжання музычных асаблівасцяў, і з пункту гледжання рэдактуры -, мы рэкамендуем чытачам звярнуцца да анатацыі Белдэна да альбома The Complete In A Silent Way. Сам факт, што Дэвіс змог укласці столькі таленту ў гэты альбом з даволі бязладным планам, і ператварыць яго ў сапраўдны прадмет мастацтва, а не проста набор дзіўных музычных «я», выкарыстаўшы абсалютна новую, раней нечуваную форму, з’яўляецца дзіўным дасягненнем. Дадайце да гэтага неад’емны ўклад і геніяльны талент прадзюсара Тэа Масера, і вы атрымаеце музыку, якая з’яўляецца характэрнай, завершанай працай ад пачатку да канца. Рэвалюцыйны набор, які да гэтага часу выклікае масу пытанняў.

Mike Oldfield — Tubular Bells

Дэма, якое затым стала альбомам Tubular Bells, было запісана Майкам у сваёй кватэры ў Тотэнхэме ў 1971 годзе, ён паказваў розным гуказапісвальным кампаніям, спрабуючы атрымаць кантракт на запіс. Аднак адказ усюды быў адным, што гэты твор ніхто не купіць, што ён некамерцыйны. Майк даў паслухаць стужку Тому Ньюману, які працаваў у студыі The Manor лэйбла Virgin, якая нядаўна адкрылася. Ньюману запіс вельмі спадабалася, і той угаварыў уладальніка студыі і лэйбла, Рычарда Брэнсана, даць час Олдфілду для запісу альбома. Асноўная частка запісана за тыдзень, астатняя — у той час, калі студыя не выкарыстоўвалася іншымі музыкамі, часта позна ноччу. Брэнсан спрабаваў прадаць Tubular Bells іншым гуказапісвальным кампаніям, але беспаспяхова. Тады ім было прынятае рашэнне выдаць альбом самастойна, як першы рэліз лэйбла Virgin.

У выніку Майк Олдфілд з нікому невядомага музыкі адразу ператварыўся ў прызнанага кампазітара, а Рычард Брэнсан, на аснове грошай атрыманых з продажаў альбома, пабудаваў сваю бізнэс-імперыю. Альбом быў прадстаўлены публіцы на канцэрце Queen Elizabeth Hall 25 чэрвеня 1973 гады. Прычым, Рычарду Брэнсану прыйшлося падарыць Майку свой Бэнтлі, каб угаварыць яго выступіць, бо Олдфілд баяўся такой аўдыторыяй. Акрамя таго, 30 лістапада 1973 года Майк Олдфілд са сваімі сябрамі сыграў Tubular Bells для BBC, гэты выступ быў запісаны на відэа і паказаны па гэтым канале 1 снежня таго ж года. Пазней гэты запіс стаў даступны на зборніку Elements DVD.

Нягледзячы на фенаменальны поспех, альбом Tubular Bells цэлы год не мог стаць №1 у брытанскім чарце. Цікава, што другі альбом Олдфілда, Hergest Ridge, першым дасягнуў вяршыні чарта і прабыў на першым радку тры тыдні, а толькі пасля гэтага яго зрушыў адтуль альбом Tubular Bells, які прабыў на вяршыні адзін тыдзень. Такім чынам, Майк стаў адным з трох выканаўцаў, якія прымудрыліся пабіць саміх сябе ж у чарце альбомаў Вялікабрытаніі. У агульнай складанасці Tubular Bells прабыў у брытанскім чарце 279 тыдняў. Усяго ў Брытаніі было прададзена 2.630.000 копій альбома (34-ы альбом у спісе самых прадаваных у Вялікабрытаніі за ўсю гісторыю) і дзесьці 15-17 мільёнаў па ўсім свеце. У ЗША альбом стаў залатым. Акрамя таго, Майк Олдфілд атрымаў прэмію Грэмі за лепшую інструментальную працу ў 1975, бо пачатковая тэма выкарыстоўвалася ў нашумелым містычным фільме «The Exorcist» (Выганяючы д’ябла), які атрымаў два Оскара. Акрамя таго, выпушчаны ў Амерыцы сінгл, які змяшчае пачатковую тэму, заняў 7-е месца ў ЗША. Billboard Hot 100. Сэмплы пачатковай тэмы былі выкарыстаныя ў песні Джанет Джэксан The Velvet Rope. У 1979 году, кампазіцыі Олдфілда, у тым ліку і Tubular Bells, сталі саўндтрэкам дакументальнага фільма The Space Movie, знятага NASA.

Па чутках, колькасць накладанняў у альбоме Tubular Bells дасягнула некалькіх тысяч.

Вокладку для Tubular Bells стварыў Трэвар Кей, яна хутчэй за ўсё была складовай: некалькі фатаграфій былі злеплены ў адну. Цяпер для гэтага выкарыстоўваюць кампутары, а ў 1973 – скальпель і клей.

На вокладцы намаляваны пагнуты трубчасты звон. Абрысы гэтага звана сталі знакамітымі і асацыююцца з Майкам Олдфілдам. Ідэя прыйшла ў галаву Майку, калі ён граў на трубчастых званах для канца першай часткі альбома. Для больш цяжкага гучання, Майк браў вялікі металічны молат замест драўлянага малаточка, які звычайна выкарыстоўваецца, каб граць на гэтай прыладзе. У выніку званы пагнуліся.

Да гэтага Кей хацеў выкарыстаць для вокладкі фатаграфію варанага яйка з крывавым жаўтком. Гэтая фатаграфія ў некалькі змененым выглядзе ў далейшым стала вокладкай для Heaven’s Open. Назву альбома Майк прыдумаў пасля таго, як пачуў як у канцы часткі першай Вівіян Стэншол прадстаўляе інструменты. Пасля слоў Вівіяна «Plus…Tubular bells» Майк зразумеў, як трэба назваць альбом. Да гэтага працоўнай назвай альбома было «Opus One». Рычард Брэнсан прапаноўваў назваць альбом Breakfast in Bed (сняданак у ложак).

Так як альбом Tubular Bells стаў самай паспяховай і знакамітай працай Майка Олдфілда, да ідэй гэтага альбома неаднаразова вярталіся, у асноўным сам Олдфілд. У 1975 годзе Дэвід Бэдфард зрабіў аркестравую версію альбома: The Orchestral Tubular Bells. Майк значна пазней выпусціў тры працягі свайго дэбютнага тварэння: Tubular Bells II (1992), Tubular Bells III (1998) і The Millennium Bell (1999). У 2003 годзе альбом быў зноўку запісаны з выкарыстаннем новых тэхналогій і выпушчаны пад назвай Tubular Bells 2003, прычына перазапісу ў тым, што арыгінальны альбом запісваўся ў абмежаваныя тэрміны і на не самым лепшым абсталяванні, з-за чаго запіс атрымаўся не самы якасны. Нарэшце, 8 чэрвеня 2009 года вышла перавыданне альбома Tubular Bells з невядомымі раней матэрыяламі, а таксама з новай і арыгінальнай поўнай версіямі альбома. Таксама варта адзначыць, што пачатковая тэма з альбома часам выкарыстоўвалася Майкам у тым ці іншым выглядзе ў іншых працах: у кампазіцыі Crises, Harbinger, Five Miles Out.

Steve Reich — Music for 18 Musicians

Steve Reich — трэці па ліку піянер мінімалізму пасля La Monte Young і Terry Riley, які праславіўся сваімі эксперыментамі з зацыкленнем магнітных плёнак (цяпер гэта шырока выкарыстоўваецца ў музыцы hip hop) і фазаскажэння розных музычных інструментаў.

Music for 18 Musicians — праца, якая лічыцца паваротнай вяхой у творчасці музыкі і новай прыступкай развіцця авангарда і мінімалізму наогул. У яе запісе насамрэч прымала ўдзел 18 музыкаў, і яшчэ куча т.зв. «гасцей» (той самы «Ensemble Modern»). На гэтай працы г-н эксперыментатар звяртаецца да «пульсацыі» — музыцы, якая не мае ніякага дачынення да мелодыі, і, тым не менш, гучыць дастаткова меладычна. Ідэя складаецца ў тым, што пульсацыя складаецца з адной і той жа паўтаральнай ноты ці нот, са зменай яе гучнасці ў пэўныя моманты часу.

На альбоме прадстаўлена 14 кампазіцый, і ўсе яны ўяўляюць сабой варыянты адной і той жа пульсацыі ў розных аранжыроўках, калі гэта можна назваць аранжыроўкамі. Насамрэч, сутнасць працэсу заключаецца ў прайграванні рознымі музыкамі менавіта сваёй, адной і той жа, ноты ў пэўныя прамежкі часу, пры гэтым пачынаюць і заканчваюць яны ў абсалютна розны час. У выніку на выхадзе маем вельмі цікавы твор, які нагадвае электроннае гучанне неонавых хмарачосаў, з ужываннем да яго кампутарнага эфекту «gabber». Прычым усё гэта зроблена зусім не пры дапамозе сінтэзатараў, а пры дапамозе рэальных інструментаў — скрыпак, віяланчэлі, клавесіна, піяніна… Гэта абсалютна новыя адчуванні, нешта, якое нараджаецца на грані работ Іна і Штокгаўзена. Класічная музыка ў яе збітым уяўленні з пазіцый авангарда гучыць зусім па-іншаму — свежа, арыгінальна і зразумела — і разам з тым працягвае заставацца сапраўднай класікай, тым, што не састарваецца на працягу многіх гадоў і слухаецца кожны раз па-новаму. Альбом выйшаў на ECM Records у 1978 годзе і пазней, у 90-х, быў перазапісаны ў якасці помніка гістарычнай важнасці, ён вельмі ненадакучлівы, нягледзячы на тое, што, па ісце, «іграе адна і тая ж пласцінка».

Tangerine Dream — Phaedra

Гісторыя гурта Tangerine Dream бярэ пачатак з 60-х гадоў. Edgar Froese, чалавек літоўскага паходжання, вялікі аматар класічнай музыкі, сюррэалізму і Rolling Stones адначасова, сваю працоўную дзейнасць пачынаў (як і многія іншыя музыкі «прагрэсіўнага року») у якасці мастака. Жывапісу і скульптуры ён вучыўся ў Берліне і нават аднойчы наведаў іспанскую вілу геніяльнага вар’ята Сальвадора Далі. Сучасная рок-музыка была для яго занадта абмежаванай, і ён вырашыў заснаваць (у тым жа Берліне) уласны музычны калектыў. Назву ён запазычыў з тэксту адной песні The Beatles з альбома «Сержант Пепер». Так увосень 1967 года нарадзіўся гурт «Мандарынавая мара», ці Tangerine Dream, ці проста TD.

У 1973 годзе з кампаніяй Virgin быў заключаны кантракт на пяць гадоў, і яе кіраўнік, Рычард Брэнсан, арганізаваў пераезд музыкаў у Лондан, на студыю The Manor (дзе Майк Олдфілд запісваў свой легендарны альбом Tubular Bells). Акрамя таго, Virgin выплаціла групе вялікі аванс. На частку ад сваёй дзелі Эдгар набывае модульны сінтэзатар Moog: Я купіў яго за 15 000 даляраў гэта было больш за выгодны кошт . Moog апраўдаў чаканні спаўна, бо Phaedra, наступны альбом гурта, уяўляе сабой сапраўдную імпрэзу сінтэзатарных секвенцый і прыліваў. Выйшаў ён у лютым 1974 года і падняўся на высокія месцы ў чартах, і нават стаў «залатым» у некалькіх краінах. Вось як Фрэзе апісвае працу над Phaedra: «Мы пачалі ў лістападзе 1973-го. Да гэтага мы шмат чаго наімправізавалі, і зараз увесь напрацаваны матэрыял неабходна было структураваць, улічваючы наяўнасць сінтэзатара Moog, з яго пышнымі басовымі гукамі. Настройка сінтэзатара займала па некалькі гадзін штодня, бо ў тыя часы сінтэзатары не валодалі памяццю і гатовымі прасэтамі. Праз 10 дзён працы мы мелі толькі шэсць з паловай хвілін запісанай на стужку музыкі. Усё ішло наперакасяк — магнітафон зламаўся, гучнагаварыцелі былі пашкоджаныя супернізкімі частотамі басовых гучанняў сінтэзатара. Мы адпачылі пару дзён у вёсцы, і пасля гэтага ўсё паішло на лад. Трэк Mysterious Semblance быў запісаны за адзін прысест, на двухклавіятурным Мелатроне, у той час як мая жонка Моніка круціла ручкі на фэйзеры. Нават загалоўная кампазіцыя, Phaedra, была запісана гэтак жа. Крыстафер націснуў кнопку, уключыў басовую секвенцыю, але прылада адразу знервавалася, і пайшла не тая танальнасць. Тады Крыс стаў наладжваць гук «на хаду», не выключаючы секвенцыю. Увесь гэты час гукаінжынер працягваў запіс. Так што тое, што вы чуеце сёння — гэта, фактычна, рэпетыцыя!»

Klaus Schulze — Timewind

Гэтым разам альбом нямецкага штукара-сінтэзатаршчыка прысвечаны кампазітару Рыхарду Вагнеру. Амерыканская публіка называе гэтае выданне «шэдэўрам», бо на працягу многіх гадоў гэта быў адзіны рэліз Шульца, які трапіў за акіян. Загадкавы касмічны свет дыска складаецца з двух паўгадзінных кампазіцый – «Bayreuth Return» і «Wahnfried 1883». Першая была запісана ўсяго на дзвюх дарожках, прычым з адзінага разу. Мабыць, гэта адно з самых характэрных дасягненняў Клаўса ў яго гісторыі — яркі доказ таго, як спадальныя электронныя вадаспады стала відазмяняюцца, могуць несці за сабой хатняе цяпло і ўтульнасць, а не клінічны холад і змрок. Другая рэч больш складаная і шматгранная і не паддаецца простаму ўспрыманню — адчуваецца, што над ёй кампазітар працаваў не ў парыве натхнення, а доўга і ўпарта. Па настроі яна супрацьлеглая першай: ледзяны маналіт, айсберг, які не паддаецца разбурэнню. Аднак гэты факт цалкам завяршае агульную карціну пласцінкі: «вецер часу» сцелецца ад пустынных вольных абшараў да замкнёных глухіх мегаполісаў.

Aphex Twin — Selected Ambient Works Volume 2

У адрозненне ад сваёй першай складанкі, на другім легендарны электроншчык Richard D. James падае больш дэталізаваны варыянт творчасці. Дваццаць тры кампазіцыі, якія размяшчаюцца на двух дысках, уяўляюць сабой нянудны варыянт музычных замалёвак, створаных выключна па прынцыпе «завес». Напрыклад, бярэцца які-небудзь меладычны сэмпл, закручваецца ў паўторы, а да яго на такой жа хуткасці дадаюцца астатнія, аднак іх колькасць вельмі невялікая. Такім чынам, музыка ператвараецца ў снежны ком, які рухаецца, аднак, на чарапашай хуткасці, і па дарозе больш губляе, чым знаходзячы. Часам бывае, што ад твора застаецца літаральна два-тры сэмплы, якія ствараюць гукавую атмасферу ў рэхападобным адлюстраванні. Фокус стварэння падобнага эфекту напэўна складаецца ў тым, што гукавы спектр гэтых сэмпл-напаўняльнікаў адрозніваецца па сваёй танальнасці, але ў любым выпадку іх тэмбр падабраны па гукавой афарбоўцы прыемным для чалавечага вуха. Менавіта саўнд з’яўляецца асновай таго, што кампазіцыі, нягледзячы на іх працягласць — ад пяці да сямі хвілін — не з’яўляюцца, як ні дзіўна, зацыкленымі. Часам у музыцы адбываюцца нейкія нябачныя змены, скокі, якія выводзяць яе са стану пячорнага здранцвення. Геніяльнасць аўтара ў дадзенай працы, на мой погляд, заключаецца ў тым, што ён здолеў стварыць выключную аналагавую атмасферу прысутнасці — прысутнасці ў тым месцы, дзе знаходзіцца ён сам, і яго фантазій, якія ўзнікаюць пры гэтым. Да таго ж, гэта новае слова і ў ambient-музыцы, доказ таго, што плыўная музыка таксама можа быць і рытмічнай, а мінімальна выкарыстаная колькасць гукавых крыніц з максімальна выгаднай аддачай з’яўляецца асноватворным прынцыпам яе стварэння.

Klaus Schulze — Mirage

Вельмі затхлая праца легендарнага нямецкага электроншчыка — але затхлая толькі ў плане часу. Музыка па-ранейшаму гучыць вельмі свежа, і ўвогуле, дадзены альбом я б мог аднесці да адной з лепшых прац Клаўса. «Электронны зімовы ландшафт» — так ахарактарызаваў гэты альбом некалі сам аўтар. Вызначэнне вельмі дакладнае. Хоць працы Шульцэ цяжка апісваць наогул — іх трэба слухаць — дадзеная выдаецца з агульнага спісу, першым чынам, сваім візуальным успрыманнем. Зачыніце вочы, і вы, сапраўды, пранясецеся над халоднымі гарамі, пабываеце ў халодным небе і нават акуняцеся ў зімовае мора. Усё гэта і будзе тым самым «міражом», у гонар якога названы альбом. На дыску прадстаўлена дзве цалкам скончаныя паўгадзінныя кампазіцыі, на працягу якіх «аператар сінтэзатарнай устаноўкі» ўмела пераходзіць ад аднаго настрою да другога, апускаючы слухача ў магічны свет. Па стылі я б ахарактарызаваў альбом як new age/ambient, увогуле, ад музыкі як ніколі нясе псіхадэліяй і медытацыяй. Альбом — ідэальны саўндтрэк да цёмных зімовых вечароў і роздумаў аб жыцці.

Harold Budd, Brian Eno — Ambient Two: The Plateaux of Mirror

Другая серыя з цыкла «Ambient» (першай, як вядома, была «Музыка для аэрапортаў»), запісаная Іна сумесна з амерыканскім неакласікам Гаральдам Бадам. На момант запісу альбома Бад практычна не меў якіх-небудзь сур’ёзных прац, за выключэннем «Pavilion of Dreams». Аднак менавіта ўнікальнае, цёплае гучанне гэтага альбома падштурхнула Іна на сумеснае супрацоўніцтва. Вынік — сапраўды, сумесная карціна двух мастакоў, смак кожнага з якіх ужо практычна сфармаваўся.

Эмбіент, прадстаўлены ў «Люстэркавым плато», прыкметна адрозніваецца ад папярэдніх прац Іна. Гэта больш меладычная, арганічная музыка, якая развіваецца. Вельмі вялікую ролю гуляе тут музычная адукацыя Бадда і яго ўмелая гульня на клавішных, якая выклікае прыхільнасць да мірнага стану розуму. Асноўная роля «бацькі» Іна заключаецца, на мой погляд, толькі ва ўмелым стварэнні атмасферы і падборы адпаведных акустычных інструментаў для гэтага. Што таксама нямала, а можа, і многа.

Нягледзячы на ўсялякую адсутнасць дынамікі, альбом усё ж уяўляецца мне вельмі жывым, рухомым. Безумоўна, гэта — эмбіент, прычым у яго лепшай праяве, але не мёртвы эмбіент і не змрочны. Гэта — тая самая ўніверсальная музыка, якая непадуладная часу і стэрэатыпам.

Tangerine Dream — Rubycon

Rubycon – шосты студыйны альбом нямецкага гурта электроннай музыкі Tangerine Dream, выпушчаны ў 1975 годзе. Rubycon шырока прызнаны як адзін з найлепшых альбомаў гурта і адзін з найлепшых альбомаў Берлінскай школы электроннай музыкі. Два бакі складаюць адзін працяглы музычны твор, які ўсё яшчэ вельмі далёка ад традыцыйнай канцэпцыі рок-музыкі. Наплываючыя секвенсарныя эпізоды і рытмы складаюць асноўную музычную канву альбома. У канцы ёсць велічны фрагмент, які нагадвае хор з фантастычнага фільма Стэнлі Кубрыка «2001: Касмічная адысея». Музыка авангардыста Дзьёрдзя Лігеці ў гэтым фільме цалкам магла б быць музыкай Tangerine Dream.

Rubycon працягвае развіваць секвенсарнае гучанне, якое ўпершыню з’явілася на папярэднім альбоме гурта Phaedra. Нарастаючая ўпэўненасць гурта ў працы з першымі сінтэзатарамі ператварыла іх у віртуозаў жанру, пры гэтым яны арганічна ўводзілі ў музычную тканіну непрадказальныя гучанні гонгу, прэпараванага фартэпіяна і электрагітары. Крыху больш спакойны, чым Phaedra, працяглы і змрочны, з прыгожымі дысанансамі, гэты альбом часам таксама набірае тэмп. На працягу двух доўгіх трэкаў гурт паказвае ўсе свае моцныя бакі, у тым ліку прывідныя сінтэзатарныя накаты, задуменны эмбіент, пульсавалыя электронныя рытмы і дзіўныя гукавыя эфекты.

Злёгку састарэлая палітра гукаў на альбоме перакрываецца настроем змрочнай псіхадэліі без залішніх узораў. Гучанне блізка да Pink Floyd таго часу, толькі без рока. Выдатная пласцінка эмбіента эпохі да з’яўлення эмбіента, занадта добрая, каб яе забыцца, яшчэ адзін крок у ператварэнні панурай гусеніцы электроннай музыкі ў сімфанічнага матыля, які расчыніць свае крылы на Ricochet і ўзварыць высока ў неба.

Paul Horn — Inside the Taj Mahal

Піянер у этнічнай музыцы з 60-х гадоў, рэпертуар Хорна вар’іруецца ад сучаснага джаза да эмбіента. На ўзрушаючым запісе 69 года «Унутры Тадж-Махала» Хорн грае на флейце ў натуральнай акустычнай прасторы пад цэнтральным купалам будынка. Нечаканы паварот у канцэпцыі Эмбіент — унікальны характар запісу засноўваецца на асаблівай аўры гэтага месца нават у большай ступені, чым на музыцы, якая сама па сабе таксама стварае ўласную атмасферу.

Альбом быў запісаны нетрадыцыйна, з адным мікрафонам, пастаўленым побач з флейтай і другім, размешчаным на дыстанцыі, глыбей усярэдзіне будынка. Гэта прывяло да перабольшанага стэрэаэфекту, такога, які не дае «дакладную» карціну прасторы, але застаецца ў памяці. У наступным Хорн працягнуў запісваць музыку ўнутры акустычна ўнікальных збудаванняў такіх, як Егіпецкія Піраміды, кафедральныя саборы, цэрквы і каньёны.

Steve Hillage — Rainbow Dome Musick

Электрагітарыст, першапачаткова які стаў вядомым з касмічна-хіпі-псіхадэлічным рок гуртом Gong, Стыў Хілэдж працягнуў заставацца ўплывовай фігурай у Ambient музыцы. Хілэдж — майстар гітарнага глісанда, тэхнікі, якая заключаецца ва націску па струнах уздоўж грыфа металічнай пласцінкай, ствараючы працяглы, цякучы голаса-падобны гук. Яго рэліз 1979 гады, Rainbow Dome Musick характарызуецца такім гукам, які праліваецца сярод мігатлівай электроннай атмасферы. Два доўгія трэкі «Garden of Paradise» і «Four Ever Rainbow» — ідылічныя паэмы, амаль статычныя, з тонкімі варыяцыямі, якія змяняюць музыку ў неспасціжным рытме. Hillage заўсёды лічыў гэтую музыку выразам сюррэалізму, і слухач можа ўспрыняць летуценную логіку дадзенага альбома.

Harold Budd, Brian Eno — The Pearl

«Адзін з рэлізаў, які прылічаем мной да «музыкі ўсіх часоў і пакаленняў». Дадзены альбом можна назваць лагічным працягам сумеснай працы двух музыкаў «Plateaux Of Mirror»: ліслівае піяніна Бадда і мяккія атмасферы Іна ствараюць улагоджаную душэўную абстаноўку. У працы над альбомам таксама прыняў удзел Daniel Lanois, неразлучны калега Іна, з якім у іх заўсёды атрымліваліся вельмі нядрэнныя вынікі.The Pearl — не выключэнне: музыкі збалансавана стаяць на мяжы прыемнай меланхоліі, не даючы слухачу трапіць у замкнёны транс. Мінімальны набор скарыстаных прылад, агульная музычная атмасфера альбома дзівіць сваёй глыбінёй і празрыстасцю. Мяркую, гэта адна з самых удалых прац ва ўсёй творчасці Бада, ды і Іна таксама.»

Terry Riley — A Rainbow in Curved Air

Нават праз 55 гады гады пасля выхаду «A Rainbow in Curved Air», буйныя эксперыменты Тэры Райлі з авангарднай музыкай выглядаюць як забавы ўкуранага ў хлам хіпі, якога па нечым папушчальніцтве пусцілі ў студыю, дзе выключна сур’ёзныя дзядзькі пішуць выключна сур’ёзную музыку. І гэты самы хіпі перавярнуў студыю дагары дном, усё зразумеў настолькі няправільна, што пусціў усе працэсы гуказапісу назад, закруціўшы іх, абрэзаўшы і склеіўшы ў нейкім зусім хаатычным парадку; пабіў фартэпіяна і заснуў на кнопцы паскоранай перамоткі. Як сцвярджаюць энцыклапедычныя крыніцы, менавіта яго музыка, у прыватнасці твор In C, паслужыла залогам вызвалення ад гнюснага таталітарнага духу суровага еўрапейскага серыялізму і няхіла ператрэсла застойны амерыканскі авангард. Уласна, у гэтым і галоўная заслуга: музыка Райлі — гэта акадэмічны панк, але без шматзначных эківакаў, або спадарожнай контркультурнай свабоды, якая закоўвае людзей у яшчэ больш суровыя рамкі, чым тыя, ад якіх яны бягуць. Калі серыялізм кідаўся ад якіх-небудзь паўтораў музычных фраз, то Тэры, быццам начхаў на разнастайныя прыстойнасці, будаваў свае творы на спалучэнні лупоў разнастайнай даўжыні. Калi ж In C, напрыклад, мае выразную модульную структуру, заснаваную на абгульванні, адгадайце самі чаго.

Зрэшты, A Rainbow in Curved Air мне падабаецца куды больш: гэтая пласцінка, як прынята выказвацца, абагнала час. Цяпер яна слухаецца і адчуваецца як 8-bit, праўда з адной агаворкай: гэта ні ў якім разе не 8-bit. 8-bit — жанр, у сутнасці, даволі вузкі і лімітава маргінальны, першапачаткова які вызначыў свой тэрмін жыцця суцэль яснымі часавымі рамкамі. «A Rainbow in Curved Air» першым чынам лімітава вольны, і суцэль можа служыць дапаможнікам для тых, хто спрабуе выціснуць са старых чыпаў нешта разумнейшае поп-панку. Зрэшты, гэтае толькі вонкавае падабенства: да з’яўлення першага чыпа, здольнага вырабляць падобную музыку, Atari POKEY, заставалася яшчэ каля 10 гадоў; Райлі выкарыстоўваў розныя электраарганы і саксафоны, актыўна займаўся тым, што пасля стала называцца як «семпляванне» і «лупы».

У нейкім сэнсе, Тэры што на In C, што на Rainbow in Curved Air так і не змог выйсці за рамкі акадэмічнага авангарда: гэта лімітава простая мінімалістычная меладычная музыка, але больш ад розуму. Можна доўга і пільна любавацца дасканаласцю структур, ахаць і вохкаць з нагоды складаных, практычна матэматычных модуляў і выдатнай тэхнікі лупаў, можна проста пільна слухаць, як асноўная тэма марудліва пераліваецца у цэлым мурашніку спрытных, клапатлівых гукаў розных вышынь, гучнасцяў і тэмбраў. Назіраць можна за чым заўгодна: хоць за асноўнай тэмай, хоць за развіццём другарадных гукаў: у A Rainbow in Curved Air да рыса проста розных пластоў, хай і моцна завязаных сябар на сябра, але ўсё ж мелых некаторыя ступені волі.

Што загалоўны твор, што Poppy Nogood and the Phantom Band маюць нейкую маніякальную прыроду. Нягледзячы на вонкавую лёгкасць, яны без усялякай меры перасычаныя падзеямі, адбывалымі ўсярэдзіне: літаральна праз 10 хвілін пасля ўважлівага праслухоўвання, мозг проста перастае ўспрымаць інфармацыю і ўваходзіць у стан некаторага трансу. Уявіце сабе вітч-хаўс наадварот: ноты скарочаныя да мяжы, хуткасць змены проста зводзіць з розуму, усачыць за ўсімі патокамі даволі складана. Райлі ўводзіць у мозг ін’екцыю сваёй музыкі, выклікаючы своеасаблівую залежнасці і бязладнае захопленае лопатанне. Як паказала гісторыя, ідэі яго былі вельмі заразлівыя і свежыя, і літаральна пара твораў ператварыла бунтара ў класіка. Ёсць у гэтым нешта: любы асэнсаваны бунт спрабуе перавярнуць мэйнстрым пад сябе.

Вядома, Тэры быў не першы, геніяў мала, кампілятараў рознай ступені вастрыні розуму — досыць. Заслуга Райлі ж у тым, што ён павярнуў, сфармуляваў разрозненыя ідэі ў форму, зручную для капіявання. І калі «In C» быць усё ж такі прататыпам новай музыкі, то «A Rainbow in Curved Air» — першым вырабам для шырокіх мас. У гэтым, на мой погляд, і заключаецца роля альбома ва ўсёй гэтай гісторыі.

Тэры Райлі ўсміхаецца практычна на ўсіх фатаграфіях, бо: здзейсніў некалькі хуткіх рэвалюцый, якія заўважылі толькі праз некаторы час; абагнаў і перагнаў у лічаныя гады ўсе доўгія, карпатлівыя напрацоўкі Tangerine Dream і Клаўса Шульца ў вобласці нью эйджа, прытым зусім у гэты нью эйдж не залазячы. І тут павінна быць якая-небудзь глыбакадумная выснова.

Jonn Serrie — And the Stars Go With You

Закаханы ў стан палёту, Jonn Serrie, не маючы магчымасці адправіцца ў адчынены космас фізічна, хоць сам з’яўляецца ліцэнзаваным пілотам-выратавальнікам грамадзянскай авіяцыі ЗША, прысвяціў сябе пракладанню шляхоў для вандраванняў прытомнасці і падсвядомасці з дапамогай музыкі. Ён займаўся і класічнай, і сучаснай музыкай, а ў пачатку 70-х гадоў яго ўвагу прыцягнулі электронныя сінтэзатары. Тады ж яму прапанавалі стварыць музыку для суправаджэння астранамічных уяўленняў у планетарыі горада Хартфард, на паўночным усходзе ЗША. З таго часу ён запісаў нямала саўндтрэкаў і для дакументальных фільмаў, і для планетарыяў.

Свой дэбютны альбом, And the Stars Go With YouДжон прысвяціў памяці жанчыны-астранаўта Крысце Макаўліф, якая загінула падчас катастрофы шатла «Challenger» у 1986 годзе. У далейшым гэта музыка была выкарыстана для навучальнай праграмы NASA «The Teachers in Space» і ўпершыню кампазіцыі з альбома былі выкананы на спецыяльным шоу, прысвечаным закладцы 1-га каменя планетарыя ў горадзе Cristo MacLaugh.

Альбом уяўляе сабой пяць меладычных гукавых падарожжаў, якія былі дапоўнены бонусным трэкам у перавыданні 2002-га года.

Бязмежная прастора Космасу, палёт да далёкіх, невядомых міроў, прывідныя гукі, таямнічы шэпт, які даносіцца з бездань пустаты. Дэбютны альбом здзейсніў сапраўдны пераварот у new age, space ambient і berlin school музыцы. Яго касмічныя сінтэзатарныя гукі, гармоніі, багацце мелодый, іх глыбіня былі зусім новыя і незвычайныя. І з часам альбом And the Stars Go With You стаў сапраўднай класікай жанру. Гэта, вядома, сцяжынкі нашага ўяўлення дапамагаюць нам пагрузіцца ў глыбіні нашай свядомасці, дасягнуць самых аддаленых межаў Галактыкі. Унікальны гук — не самамэта, ён змешчаны ў кантэкст нейкага сюжэту. Калі слухаць музыку для планетарыя без суправаджальнага аповяду аб зорках, саму па сабе, яна самастойна распавядзе вам нейкую гісторыю. Яна дапамагае вашаму ўяўленню.

Brian Eno — Ambient 4: On Land

Сам Іна часта называе сябе «не-музыкам», даказваючы гэта ў кнізе «Музыка не-музыкі», якая змяшчае яго творчае крэда. Ён лічыць, што музыка існуе сама па сабе і адзіная задача — выканаць яе, прымусіць гучаць. «Паколькі я быў вымушаны распрацоўваць гэтую ідэю, я яе і ажыццяўляю, — тлумачыў ён. — Мяне цікавяць такія палажэнні і сістэмы, якія маглі б ствараць музыку з мінімальным удзелам з майго боку ці ўвогуле без майго кіраўніцтва». Абапіраючыся на гэтую, хай не пазбаўленую прадузятасці тэарэтычную аснову, на якую відавочна аказалі ўплыў знаходкі амерыканскага кампазітара Джона Кэйджа, Іна ўжываў электроніку, распрацоўваючы яшчэ не скарыстаныя яе вобласці.

Па азначэнні нячутная, эмбіентная музыка не заўсёды была цікавай. Ва ўсякім разе, не тады, калі гучала для камернага праслухоўвання. Не маючы ні пачатка, ні канца, музыка гэтая захоўвала атмасферу належнай эмацыйнай нейтральнасці, беспаспяхова спрабуючы перадаць у той жа час гукавую ілюзію пленэру. Музыка асяроддзя» Іна набывала адмысловае значэнне, калі аўтар трымаў поўны кантроль над асяроддзем, выразна выяўляючы дэталі і іх значэнні — Браян разважае аб асяроддзі як аб сукупнасці кропак прасторы, часоў, кліматаў, настрояў і адчыненых лабірынтаў памяці. У злучэнні з яго відэа- эксперыментамі — ён выкарыстоўваў відэаформы, гэтак жа пазбаўленыя дзеянні, як і яго «эмбіент» — гэтая музыка можа драбніць час і ствараць новае пачуццё прасторы, у якім можна паслабіцца, падумаць, пагаварыць без дакучлівага ўмяшання глядзельных выяў. Яго «Музыка для фільмаў» — арыгінальнае гукавое афармленне да ўяўнага кінематаграфічнага тварэння, — выдатна ўвязваецца з рознымі выявамі.

На альбоме «Ambient 4: On Land» бачанне ўжо іншага свету, адрознага ад прадстаўленага на «Ambient 1: Music for Airports». У ім няма ранейшых светлых фарбаў, няма выразнага ўсведамлення рэчаіснасці, чыстых, крышталізаваных музычных гукаў, якія адпавядаюць трывалым гарантыям быцця. Нязначна выкарыстоўваючы эмбіентную сістэму, з дапамогай выбітных імправізатараў Джона Хасэла, Біла Ласвела, Міхеля Байнхорна, Майкла Брука, Алекса Гроса, ужываючы цэлы шэраг нарыхтаваных запісаў, якія ўвекавечылі кваканне жаб, драпанне, які чуўся праз шум, гукавыя выявы становяцца вядзьмарскімі. Ён выкарыстоўваў электронныя інструменты, гонгі, разнастайную перкусію, а таксама камяні, палкі і металічныя ланцугі.

Чацвёрты альбом серыі «Ambient» гучыць менавіта так, як большасць людзей думаюць, павінна гучаць музыка ambient, спалучаючы прыродныя гукі ці электронныя эфекты, якія гучаць натуральна. Першапачаткова Браяна натхніла на серыю «Ambient» укараненне натуральных гукаў у кампазітарскую музыку, аднак у «Music for Airports», «The Plateaux of Mirror» і «Day of Radiance» ён не ўключыў такія элементы. «On Land» мяркуе тэрыторыю, пейзаж, атмасферу месца. Нават назвы кампазіцый: «Незнаёмы Вецер (Leek’s Hill)», «Пляж Данвіч Восень 1960» ці «Клірынг» падобна мяркуюць дакументаванне рэальных ці выдуманых мясцовасцяў, палявых запісаў з незнаёмых месцаў. Цёмныя, змрочныя грукі і гудзенні, арганічныя завіхрэнні і шчабятанні змешваюцца з электроннымі і акустычнымі прыладамі, ствараючы злёгку злавесны гукавы свет. Нягледзячы на стэрэатыпы стылю, першыя тры альбомы з серыі «Ambient» грунтаваліся замест сінтэзатара на акустычных інструментах, хаця і трансфармаваных, і змененых студыйнымі эфектамі. «On Land» уключае больш электронных тэмбраў, якія часта неадрозныя ад апрацаваных акустычных гукаў і эфектаў. Камбінацыя ціхай атмасферы і натуральных гукаў найлепшай выявай служыць прыкладам галоўнай эстэтыкі наступнай атмасфернай музыкі.

Michael Stearns — Planetary Unfolding

Michael Stearns — майстар амерыканскай электраакустычнай музыкі. Вядомы перш за ўсё дзякуючы саўндтрэкам да культавых дакументальных фільмаў «Baraka», «Sacred Site» і «Chronos». Стыль яго музыкі вызначаюць як сучасная інструментальная музыка, а таксама ён лічыцца адным з заснавальнікаў «касмічнай музыкі», якая ўзнікла ў 70-х гадах. Майкл па-майстэрску выкарыстоўвае ў сваіх працах інструменты і гукі розных культур, новыя, прыдуманыя ім інструменты, голас чалавека і гукі прыроды. Творчасць яго будзе прыемным адкрыццём для ўсіх прыхільнікаў такіх майстроў жанру як Jonn Serrie, David Parsons, Steve Roach, Robert Rich, Tim Story, Vidna Obmana і іншых.

Словы і вобразы складаюць сімвалічную структуру таго, як мы ствараем свой свет — як людзі, як культура, як выгляд. Замест таго каб непасрэдна адчуваць сусвет, які мы засяляем, мы ўспрымаем яго праз сімвалічнае перакрыцце нашага ўнутранага і культурнага (вонкавага) дыялогаў. Музыка можа адчыніць дзверы да таго, што значыць быць чалавекам у сваёй сутнасці, па-за нашымі культурнымі абмежаваннямі. Калі слухач гатовы адкрыцца, музыка становіцца дываном-самалётам, які нясе даследчыка па шляху станаўлення. Альбом Planetary Unfolding увайшоў у гісторыю як найлепшы ўзор «касмічнай музыкі». Запісаны ў 1981 годзе ён і сёння падаецца музыкай з будучыні. Ужо на першых хвілінах пачатковага трэка слухача накрывае інтэнсіўны пульсавалы гук, у якім утоена квінтэсенцыя альбома. Як астраномы выяўляюць новыя нябесныя целы, Майкл адкрыў некалькі геніяльных нот. Яны ператвараюць Planetary Unfolding з цікавага, «аднаго з» прыкладаў spacemusic, — у Шэдэўр. Гэты акорд адчыняе альбом у In The Beginning, паўтараецца ў сярэдзіне і яшчэ раз магутна вяртаецца ў фінале Something’s Moving.

Steve Roach — Structures from Silence

Адзін з піянераў амерыканскай сцэны касмічнай музыкі, першапачаткова натхнёны нямецкімі электроннымі музыкамі Klaus Schulze і Tangerine Dream, Роўч даследаваў розныя музычныя формы выказвання ад ціхага сузірання да бушуючых штармоў секвенсера, ад натуральных шаманскіх баёў да сутаргавых электронных рытмаў. Адна з найболей уплывовых прац — гэта рэліз 1984 гады Structures from Silence. Гэты дыск — мяккі, ахінальны музычны пейзаж, ідэальны для заспакаення розуму і рэлаксацыі цела.

Класіка музыкі ambient, альбом-легенда, які стаіць на адной прыступцы з фундаментальнай «Music for Airports» Браяна Іна (Brian Eno). Альбом у большай ступені з’явіўся пераломным для самога Роўча. Гэта адна з самых першых яго прац, якая не схільная да якога-небудзь уплыву з боку і якая, магчыма, менавіта з прычыны сваёй выклікала такую вялікую цікавасць публікі. З кожным годам «Structures from Silence» знаходзяць усё новы і новы сэнс, дзівячы сваёй цеплынёй і непасрэднасцю. У 2001-м годзе альбом быў перавыдадзены ў больш добрай якасці.

Мяккі адліў і плынь цёплых сінтэзатарных тэкстур засноўваецца на рытме дыхання, і прыводзіць уласнае дыханне слухача да яго спакойнага тэмпу. Гэты альбом карысны ў якасці фонавай музыкі для садзейнічання медытацыі і для палягчэння засынання, і ў той жа час прыемны для органаў пачуццяў.

Бездакорна гарманічны, моцны і просты. Адзін з лепшых альбомаў Стыва, вылучаюцца ў адмысловую, недасягальную для крытыкі вобласць. У ім няма прымешак этнічных рытмаў, змрочных завыванняў, атмасферных клішэ накшталт шуму дажджу ці вятры.

Для кожнай з трох кампазіцый Steve Rouch злажыў, а можа быць, запазычыў з высокіх сфер тры дасканалых мелодыі. Здаецца, што гэтыя тры простыя кампазіцыі, выкананыя на сінтэзатары — музычныя сімвалы якасцей дасканалага свету. Гэта вельмі цяжкая, плаўная электронная музыка, якая ідэальна слухаецца ў спалучэнні з іншымі гукамі, напрыклад, шумам дажджу ці свістам ветра. Манатоннасць твораў практычна незаўважная — калі вы спрабуеце засяродзіцца на адным гуку, мелодыя, няхай нават самая прымітыўная, пераносіць вас на іншы ўзровень. Як і ў працы Іна, тут самай галоўнай крыніцай гуку з’яўляецца цішыня, якая напаўняе прамежкі паміж сінтэзатарнымі ўстаўкамі. Таму альбом і называецца «Структуры з цішыні» — менавіта іх стварае аўтар, выкарыстоўваючы сінтэзатар як інструмент.

Steve Roach выдаткаваў некалькі месяцаў на тытульны трэк «Structures from Silence». Гадзінамі слухаў чарнавыя варыянты, апускаўся ў цішыню і зноў наладжваў, уносячы ўсё больш тонкія змены. У буклеце да дыска ён пісаў: «Для мяне эсэнцыя музыкі – гэта тое, што адчуваеш, калі яна заканчваецца, вяртанне ў цішыню.»

Wendy Carlos — Sonic Seasonings

Вэндзі Карлас (да 1972 гады — Уолтар Карлас, пасля зрабіў(ла) аперацыю па змене падлогі) — музыка і кампазітар, адна з найважных постацяў у гісторыі электроннай музыкі. З яе дзейнасцю звязана гісторыя самага папулярнага ў цяперашні час музычнага інструмента — клавішнага сінтэзатара. Будучы вынайдзеным у 1964 году яшчэ адным вялікім інжынерам – Робертам якiм???, сінтэзатар быў мала каму вядомы і ўспрымаўся хутчэй як грувасткі лабараторны апарат для даследавання магчымасцяў сінтэзу гукаў, чым як паўнавартасная музычная прылада. У 1967 году Ўолтар Карлас і Роберт Моўг робяць сталы гістарычны дэманстрацыйны запіс сінтэзатара Moog, а ў 1968 году Ўолтар запісвае альбом «Switched-On Bach», уяўлялы сабой перакладанні невялікіх твораў Іагана Себасцьяна Баха для гэтай незвычайна новай прылады. Неўзабаве пасля выхаду альбом стаў неверагодна папулярным, атрымаў некалькі прэстыжных узнагарод і статут плацінавага дыска, а сінтэзатар Moog набыў шырокую вядомасць і свой першы камерцыйны поспех.

Пасля Вэндзі Карлас выпускае яшчэ некалькі альбомаў з класічнай музыкай, выкананай на сінтэзатарах; у супрацоўніцтве з іншымі кампазітарамі піша саўндтрэкі да некалькіх фільмаў («Завадны апельсін», «Трон», «Ззянне»), а таксама выпускае некалькі сваіх уласных альбомаў з электроннай музыкай сярод якіх быў і Sonic Seasonings.

Гэты запіс 1972 папярэднічаў вылучэнню ў асобныя напрамкі музыкі Ambient і New Age, аднак выкарыстоўваючы толькі яе Moog сінтэзатар і запісаныя атмасферныя гукі, Карлас запісала падвойную вінілавую пласцінку — прататып музыкі Ambient. У фармаце класікі барока «Чатырох часоў года» Вівальдзі, Sonic Seasonings застаюцца слыхавым эксперыментам, непараўнальным у музычным плане і непераўзыдзенай арыгінальнасці. «Вясна» прыходзіць у выглядзе навальніцы, «Лета» прыносіць непераносную спякоту, «Восень» — наведвае ля вогнішча, разбітага на беразе акіяна, «Зіма» перадае сумны холад жорсткіх зімовых вятроў.

У перазапісаным і рэмайстраваным для CD варыянце таксама з’явіўся 40-хвілінная сюіта з альбома 1986 года «Land of Midnight Sun», якая складалася з дзвюх кампазіцый.

Steve Roach – Dreamtime Return

Гэты 2CD-шэдэўр 1988 гады стаў вынікам паездак Роуча ў Аўстралію, яго ўражаннямі ад дзікіх пустыняў і культуры першабытнікаў (а таксама супрацоўніцтва з майстрам дыджэрыду David Hudson). Верагодна, на сёння гэта самы папулярны альбом Роўча. Гэта падарожжа ў міфалогію першабытнікаў, падобна Эдэму перыяд першароднай гармоніі, які папярэднічаў прыходу пазаземных продкаў, застаецца гандлёвай маркай Эмбіент і сапраўды арыгінальнай працай. На працягу 14 трэкаў Dreamtime спалучае абрадавыя ўдарныя, сінтэзатар і аўтэнтычныя запісы абарыгенскіх гукаў.

Brian Eno — Ambient 1: Music for Airports

Не дзіўна, што гэты запіс 1978 узначаліў рэйтынг. Як першы з чатырох Ambient альбомаў Iнa, ён аб’явіў новую тэрыторыю музыкі, адкрытую для даследавання. Гэта прыемная музыка. Натхнёныя раннімі канструкцыямі накшталт «Discrete Music» і «Heavenly Music Corporation», чатыры кампазіцыі Аэрапорта доўгія, павольныя, цыклічныя раскіданыя ўзоры фартэпіяннай музыкі і бязмоўных галасоў.

Адрэзкі рознай даўжыні, складзеныя непрадказальнай выявай, стварылі пышна-пластовыя аблокі гуку, падкрэсленыя рэзкай цішынёй. Ідэі нявызначанасці John Cage значна перабольшаныя, гэтак жа, як і дагматы мінімалізму ў той час, як музычныя ўзоры суадносяцца, але паўтараюцца цалкам, ствараючы бягучы пул гуку, які паслядоўна самападобны, але ўсё ж не стаіць на месцы.

На першым выданні кружэлкі таксама прадстаўлены маніфест пра музыку Эмбіент, першую фармальную згадку новага жанру. «Эмбіент — можна вызначыць як атмасферу або навакольны ўплыў: ненасычаны тон», гаворыцца ў ім, працягваючы: «Эмбіент музыку можна ўспрымаць на некалькіх узроўнях слухання, без прымусу з боку кожнага паасобку: яна можа адначасова зацікаўлівай і незаўважнай.

Назвы кампазіцый, проста «1/1», «1/2», «2/1» і «2/2» паказваюць на месца на вініле і выступаюць ідэальнымі прыкладамі эстэтычнасці — якая ўцягвае, але адчужанай; просты, але не спрошчанай.

Нягледзячы на тое, што альбом не стаў бэстсэлерам, ён знайшоў папулярнасць сярод музыкаў, магчыма, дзякуючы добрай якасці свайго статусу, як першага альбома пад тытлам «Эмбіент». Няма ніякіх сумневаў, што Музыка для аэрапортаў заслугоўвае сваё месца, як самы ўплывовы эмбіент-альбом усіх часоў.

Дзянic Леснiк

Таксама чытайце:

pawa ramonak
The Beatles — Now And Then
Kylie Minogue — Tension